Le petit nouveau qui vaille vraiment la peine qu’on y jette un coup d’oeil, c’est Misfits, diffusé en novembre dernier sur E4 [je sais, j'ai mis mon temps à en parler]. E4, c’est la chaîne payante, dérivée de Channel 4, pour le petit jeune : ado ou adulte ; Skins ou Shameless (dans lequel James McAvoy a joué, je le rappelle).

Brefouille. Quelques jeunes marginaux (Misfits) se retrouvent ensemble, habillés de orange pour effectuer leur peine de quelques 200 heures d’intérêt général. Ne comptant pas vraiment y mettre du leur, ils passent plutôt leur temps à se hum… titiller les uns les autres. Un orage arrive, ils n’ont pas le temps de se protéger et finissent électrocutés. Par miracle, ils réussissent à se relever… mais pas sans conséquences. (tam tam tam tam… suspence… tam tam tam tam). Tiens, ça me rappelle une certaine pluie de météorites.

Sur six épisodes, cinq sont centrés autour d’un personnage et sa propre façon de s’adapter à son nouveau statut de jeune délinquant héroïque.
Chacun des chapitres lie avec une facilité déconcertante le fantastique à l’état social qui gravite autour de nos protagonistes. Vous savez, comme on a pu le voir chez Being Human. Mais pas que. On se balade entre burlesque, humour, gore et autres pioches dans le registre des genres tout ceci baignant dans une démonstration très européenne. Comprenez-moi bien, il s’agit ici surtout d’un langage, d’une réalisation,  d’une approche très incisive, proche de la réalité, d’où le drama n’est pas le fil conducteur. Le fantastique, lui, est intégré comme un élément superficiel totalement plausible dans une société mise à mal par ses propres maux -wooo-.

Le phrasé décalé de nos jeunes soumis à l’Anti-Social Behaviour Order se rape contre la gestion soudaine d’un fantastique inconnu. Petits délinquants mais grands perdus, chacun tente de se construire comme il l’entend, de gérer le groupe parce qu’il le doit bien et de contrôler son nouveau pouvoir, à part Nathan qui cherchera pendant toute la saison la source du sien. Certains super-pouvoirs sortent d’un cliché ressenti et assumé jusqu’aux lignes de dialogue qui les introduisent (références au conseil de son oncle à Spiderman, aux pouvoirs récurrents dans la culture pop « il y a toujours quelqu’un qui sait voler », la « A-list » etc). D’autres sont beaucoup plus… originaux, en particulier celui de Alisha, qui, en agrippant la peau d’un homme, se transforme en phéromone sur pattes. Au contact d’une société mal en point, même ces pouvoirs se cassent, à l’instar de cette scène surréaliste où le sort s’inverse, laissant Nathan se faire chevaucher par… ah ah, non, il faut le voir (got ya). Loin d’être des super-héros, les jeunes désaxés deviennent de vrais marginaux malgré eux en intégrant les pouvoirs à leur vie. Isolés par le secret, ils en tirent partie tant bien que mal dans un contexte tragi-comique où les rares fondements qu’ils avaient partent en lambeaux à coup de zombies, de loup garou premier prix, d’effet papillon et de pulsions adolescentes traditionnelles. Maudis en société comme dans les événements inexplicables, ils sont anti-héros.

Oh, et la série sait rester très drôle même dans les moments les plus dramatiques (« SAVE ME, BARRY! »). Délicieux!
Pour discuter sur les personnages, Kelly la chavette, Curtis l’ex future star de l’athlétisme, Alisha la belle paire de miches, Simon le touchant « psycho » et Nathan le smart arse. Autant l’avouer tout de suite, Nathan et Simon sont mes deux chouchous. Ben c’est vrai quoi… le premier est euh… hein, hum… Mmm. Irritant avec ses insultes sans queue ni tête, au fond plutôt solitaire (oïe) il s’affirme par ses actes, qu’il juge normal pour un garçon de son âge. Je suis pas dans le mood résumé, ça sonne un chouilla cliché, mais je vous assure que ça rend bien, en vrai. Le second est un hyper-sensible ultra touchant qui aime tout filmer avec son téléphone… et là, c’est moi qui devient niaise. Ces deux-là ont un sens de la comédie (pour l’un) et du tragique (pour l’autre) aussi physique que parlé. Des performances d’acteurs prises à bras le corps contre lesquels les autres ne peuvent parfois rien. Oh, mais tous gèrent avec un talent certain.
Donc pour faire court, leur principale caractéristique commune est d’être chacun « mis en cases » : the chav, the nerd, the smart arse, etc., cases que l’on voit peu, traditionnellement, ensemble à la télé.

En passant rapidement sur la très bonne bande-son made in UK de la série : de tubes électro des années 90 aux chansons pop efficaces d’outre-manche. Chaque morceau est choisi méticuleusement pour coller à l’ambiance des images, devient un accessoire de ralentis, répétitions et autres effets bien amenés.
Oh, et le générique est monumental, esthétiquement magnifique. The Rapture, Echoes. Here we go.

Les personnages sont très présents sur le web 2.0. Comme c’est étonnant. D’abord sur twitter (Nathan, Simon, Kelly, Curtis) mais aussi sur Tumblr (Alisha), YouTube (chaîne aux vidéos inédites à voir de Simon) application téléphon pour suivre les misfits partout…

PS pour ceux qui l’ont vu. Pronostique : MAIS QUI EST SUPERHOODIE?
Simon aussi se le demande Notamment sur son facebook. Il a même réussi à le questionner ici (très video game!).

Ce premier pas dans l’univers des misfits est donc très très réussi. Une recherche du soi dans un univers changé du tout au tout, une écriture bien menée et une réalisation exigeante, un bol d’air frais qui revisite des codes genrés, qui nous emmène avec lui, une équipe qui gère son bébé au poil. Un must see.
J’ai tellement à dire sur cette série qu’un deuxième article sera peut-être utile pour moi, plus tard. Non mais c’est vrai quoi! La série mérite une analyse approfondie. Je voulais juste en parler, là, voyez. Un must see, que j’vous dis!

D’ailleurs, l’équipe soudée de la série culte n’était pas emballée par le remake. Remontons en 2008. Simon Pegg disait alors que s’il n’était pas foncièrement dérangé par l’idée d’un remake (citant justement celui de The Office), ce qui le dérangeait le plus était la décision de la Warner de ne pas impliquer l’équipe d’origine dans sa décision. Warner et ses partenaires avaient en effet cité les noms de Wright et Pegg sans aucune contre-partie, jouant sur leur notoriété grandissante, en ignorant totalement d’autres noms comme celui de Jessica Hynes. En jeunes anglais débutants, ils ne s’étaient pas couverts au moyen d’un contrat béton. En d’autres termes, le pilote ne leur appartenait de toute façon pas du tout.

On voit ce que ça a donné. Une chose informe et incohérente. Et on n’a qu’un court témoignage de quatre minutes.
Bref, les critiques de fans sur le web sont dithyrambiques et franchement, c’est… mérité. Peut-être faut-il avoir vu la série UK pour comprendre à quel point ce remake est d’une stupidité absolue, il est probable que si l’idée avait été d’origine, ce pilote n’aurait été qu’une simple comédie sans vraiment de peps. Mais là…

Là où certains ont réussi à transposer des personnalités et des astuces sauce-culture-british sur le sol américain avec ses propres trucs, en écoutant les conseils de membres d’époque, les extraits ci-dessous copient une surface qu’ils n’ont pas su remodeler. Le pull était trop grand pour eux.

Et je n’aurais jamais dû tomber sur ça.

NB : les acteurs du pilote sont Sarah Rue (vu dans Eastwick. Daisy est remplacée par Apryl) ; Josh Lawson (vu dans Chandon Pictures. Tim est remplacé par Ben) et Federico Dordei (vu dans 90210. Brian est remplacé par Christian)

Les plus avertis (ou au fait ou au courant) auront noté l’info qui monte undergroundement parlant sur la toile. DITCH THE TECH. Traduisez l’intraduisible : fuyez la technologie sans laisser de traces – comme les disparus de FBI portés disparus, voyez. Sauf que Malone doit pas vous retrouver. Mais où est Charlie? -.

Bref, le marketing viral sur le web, c’est Dieu. Depuis un peu plus d’une semaine, les fans de Dollhouse s’en donnent à cœur joie (c’est ça l’expression?). Rossum Corporation a ouvert un website déroutant.
Là, le néophyte crie « yeah? », là, le néophyte crie « yo? ». Rossum Corporation, la giga-industrie derrière la vingtaine de Dollhouse sur la planète. Celle que Echo, encore sous le nom de Caroline, essayait de coincer en filmant des animaux cobayes en cage, avant de commettre l’irréparable, son pact autour d’une tasse de thé.

Tout y est. D’un côté, on vous cite Descartes et on remonte aux origines de l’humanité pour argumenter son travail de surface. De l’autre, on présente une annonce, toute simple, qui  se lancerait elle-même le bâton pour se faire battre (superior genetic disposition, quoi), qui en appelle aussi à la capacité d’analyse sémiologique des visiteurs. Comme c’est bien dit. En vrai, ça se traduit par « AH AH, mais c’est pour en faire des actiiiiiives!« . Hein. Bon. Mais quand même, ça claque. Le clin d’œil référentiel, il n’y a rien de mieux pour faire causer l’internaute.

capture d’écran du site.

Tout est là. Le détail de leurs missions, leurs débats médiatiques et même les conditions d’accès à… à quoi déjà?

Et puis il y a la page Contact. Avec un numéro de téléphone. Tentant, isn’t it? Y-ont-ils pensé, IRL, à rendre ce numéro réel? Faut pas prendre les Whedon-boys pour des buses! Sur le site Whedonesque, un des fans annonce : « I phoned the number on the Rossum website and sometime later I got a call back with a short message, simply telling me to « ditch the tech ». I went back online, and found this site. » ["J'ai téléphoné au numéro sur le site de Rossum et un peu plus tard j'ai reçu un coup de fil avec un petit message, me disant simplement "ditch the tech". Je suis retourné sur le net, et j'ai trouvé ce site"].
What? Et bien oui, Ditch the tech. LE site buzzeur du moment. Parce qu’il y a Rossum, mais il y a aussi leurs détracteurs. Une véritable bataille s’amorce, je vous dis. Et si on est un peu curieux, si on a une âme d’Indy… On recherche le codé. Codé? Code source!

<meta name="description" content="Civilization will fall
 apart in the year 2019.
The Rossum Corporation is responsible.
It is already beginning at the L.A.
Dollhouse right now. Don't let them
wipe the future!" />
<meta name="keywords" content="Rossum,
evil, future, 2019, L.A. Dollhouse,
end of the world, don't pick up
thephone, ditch the tech, ditchthetech,
wipe, brain, mind, soul, @AlexfromPR" />

Wipe? Whip it good? Nan. Wipe the future, le site. Un indice, pour entrer, follow les twitters  (voir la fin de l’article).
Alors dans quel camp, dans quel rôle se retrouve l’internaute, malgré lui? Ni plus ni moins celui qu’il adopte tous les jours. Le web-utilisateur, le web-relayeur d’infos, tout ça. Avec ce point différenciel, que, quand même, en général, le fan qui arrive sur le site de ditch the tech, il a probablement vu les dégâts à venir (Epitaph One). Ca fait trop froid dans le dos, je me range du côté des ditcheurs. Rien ne vous empêche d’ailleurs de devenir vous-même un activiste.

Et pourquoi faire du viral sur une série condamnée? Hein? Je vous le demande? Le jeu°? La reprise le 4 décembre (Ditch the Tech. Don’t pick up the phone! Dollhouse returns December 4. peut-on voir scandé sur le net)? La preuve par mille et par cent (nieh?) que Dollhouse peut fonctionner au-delà d’une audience TV? Et bah, et alors?

° Jeu de Réalité Alternée (ARG). News pas très fraîche mais qui revient au goût du jour après l’annonce de sa mise en place définitive avant le 4 décembre. Dollplay, Dollplay, où en rentrerait en interaction avec la fameuse Hazel.

HAN, ps. Hey Oh! Ca s’arrête pas là.

Twitter de Ditch the Tech
Twitter de Rossum
Twitter d’Alexandra Dawson (activiste)
WordPress d’Alexandra Dawson
Blog de Daniel Perrin, sénateur

Et caetera. Amusez-vous bien et SEE YA!

Voui voui voui, même moi. Selon Ozap, M6 a réalisé un bon score crescendo avec le préquel des aventures du roi Arthur, alors Arturus. Ah oui? Mais alors? Que fout M6? Laisse moi m’interroger, cher non-lecteur. Si quelqu’un a la réponse à l’équation, il est le bienvenue. M6 a une série au potentiel forcément intéressant. Elle décide de contrôler sa durée, l’exploite en plein automne, saison des feuilles mortes alors qu’elle aurait dû la diffuser en saison printanière, plus logique à la vue du synopsis, elle taille, contrôle, taille, contrôle…  Pour au final rire au nez de sa série française phare. Trois épisodes par semaine pour une saison de 9 épisodes? Vraiment? 3 épisodes de 52 épisodes à la suite, vraiment?
Si on réfléchit bien, n’est-ce pas du sabordage? Si on en croit ce qui se raconte sur la toile ce matin, tous ces ressentis… On sent l’envie de presser l’Adieu à une série française unique, qui ose avouer son inspiration anglosaxonne, et qui exploite jusqu’au bout (ou pas, selon les goûts) une passion du clin d’oeil qui va nous manquer.

Alors quand on dépasse la barre des 3 millions de téléspectateurs, chose qu’on n’a pas réalisé depuis longtemps (si j’en crois les analystes d’audiences, au final, c’est intéressant)… Why? La réconciliation n’est-elle donc qu’un doux rêve? POUAHAHAHA, plaisante-je, au final, du point de vue de spectateur, on s’en branle un peu de ça. Mais question : hors présentation festivals et/ou avant-premières, quand on tient une série attendue en exclusivité, pourquoi cracher son venin entre les lignes, comme ça?

Résumons : taillage, retard, samedi soir, 3h à suivre chaque samedi sur 9 épisodes de 52 mn? AH!

M’enfin passons, le début de génèse d’un futur-Arthur jeunôt, moi, j’aime. Cinecittà, Astier, Evolution Cohérente, Respect des fans et des néophytes. Great! Je reviendrai sur l’histoire elle-même plus tard. Snif. Oh PS. 3 questions posées à Alexandre Astier sur le site de France Soir. Une interview vidéo sur Des news en séries. See ya!

Toujours et encore, si certains chers non-lecteurs n’ont jamais entendu parler de The Guild, la webserie suit une team qui se retrouve on line pour un jeu dont-on-ne-prononce-jamais-le-nom. Quand un des membres interprète un peu à côté un message de Codex, ils vont tous être forcés de se rencontrer IRL. Et là, c’est le drame. Blagounette de cerveau-en-berne mise à part, je crois quand même pouvoir dire que la webserie semble plus se jouer des névroses de cyd-toyens divers (tuf tuf tuf) qui se trouvent être des gamers. Ce que je veux dire c’est qu’on ne se moque jamais des personnages parce qu’ils en seraient un peu arrivés à jouer à cause de leurs névroses. Le plus, c’est que la série ne se ferme pas à une simple petite communauté et ratisse large. Gamers et non-gamers s’en contentent -bien obligée de faire rentrer les gens dans ce genre de cases pour me faire comprendre- si tant est qu’on soit ouvert à la culture populaire contemporaine.

Si les personnages relèvent du classique de la comédie, ils se démarquent quand même d’autres séries – télé – s’appuyant sur une illustration zéro, celle qu’on retrouve le plus : homme arrivant à ses trente ans et loin d’avoir le fin naseau pour la femelle alpha. The Guild c’est un panier dans lequel se retrouvent six personnages tout à fait différents les uns des autres. On commence par l’adolescent solitaire et encore dans les jupes de maman pour finir avec un quarantenaire grippe-sou toujours dans les jupons de son papi qui est parti au ciel. En passant par la jeune fille sexy-sex ou la mère névrose-addict assumée. Il y a aussi l’étudiant zinzin et enfin, at least but not last (suspence) la célibataire qui se fait larguer par sa psy, Codex. Du différent, je vous dis. Et vous moquez pas, c’est pas facile d’en faire un résumé, de ces zozos là.

Mais bref, Felicia Day nous propose un petit programme de qualité sans aucune prétention, si ce n’est celle de partir d’un mécontentement, celui qui constate que les clichés sur les joueurs sont toujours aussi coriaces même avec les meilleures intententions du monde. Et elle fait MOUCHE. Avec ses expressions malicieuses devant sa webcam et son montage arbitraire, elle communique son envie de prouver au monde qu’on peut juste écrire sur ce qu’on connait parfaitement pour en ressortir du cocace, du loquace, du soliloquasse (il fallait juste que ça rime, en fait, mais … MINUTE APPRENTISSAGE : Soliloquer, c’est se parler à soi-même, devant la webcam, Cyd, c’est ce qu’elle fait. TADAAA).  The Guild, c’est une équipe proche des internautes spectateurs, OUI, une équipe procheuh du peuple. C’est beau.

Pour un gain de coût attractif, un suivi fidèle des fans et même en augmentation, un média efficace, les webseries doivent définitivement être chouchoutées. Merde, j’ai raté ma sortie. Mmm… The Guild, une série à suivre. Twinkle.

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Do you wanna date my avatar

Arrivée mi-août, juste à temps pour le lancement de la troisième saison, la chanson a été composée et « mise en boîte » (comprendre que le clip a été réalisé par, tss tss)… Jed Whedon, celui-là même, « demi-frangin de », compositeur de Dr Horrible, membre du staff de scénaristes de Dollhouse et puis ami de Felicia Day, accessoirement.

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Cheers!

Évidemment nous sommes mis à la place du poulet et nous regardons un zapping de courts « moments de télévisions » voir de très courts, complètement indépendants les uns des autres. Et 10 minutes, ça suffit amplement, au risque de se lasser et de défintivement zapper. Déjà, si la production demande beaucoup de travaille et peut difficilement accorder plus de temps à un épisode, il faut aussi admettre qu’au delà, on aurait du mal à suivre.
La série étant particulièrement cinglante, cynique et satirique, je doute quand même qu’elle soit réellement médisante. Elle ramasse en large tout ce qu’on pourrait trouver à la télévision américaine et tourne tout ça en dérision. Une idiotie assumée et complète, admiratrice et critique. Prenez donc l’exemple de Seth Green et de l’apparition de Buffy Summers. Non seulement Green est le cultissime Oz de la série mais il est aussi un grand lecteur de la saison 8. Sans compter que Sarah Michelle Gellar a réellement prêté sa voix. Les guest-stars ne sont pas rare. On ramasse, on fait l’idiot et on s’amuse, mais oh, ça veut dire qu’il vaut mieux pas être trop amorphe devant sa télé, quand même. Etre fanboy, oui ; être demeuré, non. Merci, Robot Chicken. Ce dernier s’assume comme étant tout aussi sans réel but premier que les autres programmes. Cela dit, les blagues visent juste. Un grand n’importe quoi détonnant et explosif. Certaines blagues sont difficiles à comprendre quand on n’a pas la télévision américaine, mais la plupart des sketchs « longs » reprennent des personnages de la culture populaire américaine bien connu de nous, pauvres grenouilles. Sans en mettre plein les yeux, l’animation de jouets et de bidules en tout genre accentue le côté décalé de la chose et on se plait à en reconnaître certains (suivez le regard… Seth Green).

En bref, le but principal de Robot Chicken, c’est simplement de rire de tout ce qui peut se passer dans cette petite boîte si chère à nos cœurs qu’est la télévision. Si la série met en avant (mais pas trop, oh) le fait que devant la télé, on risque vite d’être piégé comme un poulet (ah?), je ne crois vraiment pas qu’elle soit… offensive. Elle montre avec humour que la télé n’est pas si méchante, mais qu’il vaut mieux la regarder avec des lunettes à cerveau. Et puis c’est tout. Amusons-nous!

Et puis c’est sans compter les géniales parodies de Star Wars. I’m no longer Anakin Skywalker!

George est un dieu

Les épisodes sont disponibles sur le site d’Adult Swim… indisponibles en-dehors des USA, bien-sûr. Sauf que les gens d’AS sont pas trop cons et ils ont ouvert un site disponible pour nous autres. Check out.

It’s Jerry Time… Qu’est-ce? En vous parlant de Kristen Schaal, j’introduisais la petite webserie par un court, celui du Speed Dating. It’s Jerry Time, c’est une série d’animations dont les épisodes durent 3 à 5 minutes, chacun étant proposé sur le blog du même nom. It’s Jerry Time, c’est l’histoire d’un monsieur un peu paumé, au détour de sa quarantaine/cinquantaine. A l’origine, il y a deux personnes. Orrin et Jerry Zucker (et non David et Jerry!). On y rencontre un Jerry romancé et ses aventures cocaces. Une sorte de semi-journal-intime-en-animation. Jerry n’y a pas la vie facile.

Produit par la société de Orrin, Ozone Inc., depuis 2005, la série connaît un petit succès mondial et a déjà obtenu plusieurs pris. Orrin réalise et anime pendant que Jerry crée la musique et les scénarios.

Même si elle n’est pas forcément connue des francophones, la jolie tient une forte place dans les séries d’animation, et par son investissement du web, innove dans un choix qui donne carte blanche à ses créateurs. Je dois bien vous avouer que je n’ai regardé les épisodes que très récemment. J’étais au départ assez perdue devant les choix artistiques de Orrin Zucker. Trop influencée par mon horreur des Têtes à claque qui reprennent le même fonctionnement, à savoir incruster des parties d’un visage réel (yeux, bouche, nez) sur une animation. Force est de constater que O.Zucker maîtrise l’idée à la perfection et en ressortent une esthétique et une démonstration d’émotions beaucoup plus accomplies.

Les aventures de ce zozo un peu dingo conviendra aux amateurs d’un humour pince-sans-rire basé sur les aventures totalement inutiles et absurdes. Il rapellerait même par moment un Larry David détâché de tout mêlé à un Ian Stark plus penaud et sans buts. Au final, la série ne raconte pas grand chose, et c’est ce qui est drôle. Des comiques de situation totalement ancrés sur terre et pourtant si distants, revendiquant leur inutilité la plus totale. Les petites animations évoluent en une parodie de la vie de tous les jours, celle d’un célibataire endurci qui n’arrive pas à voir au-delà des mésaventures de son frigo, de son sandwich, de ses rencontres en speed dating.

On finit par s’attacher à ce petit bonhomme.

The Casting Call

The Naked Swim

Et pour ceux qui n’ont pas lu l’article sur Kristen Schaal…

The Speed Dating

Bon, donc, voilà, j’ai à moitié résumé le topo. La série cause d’un vampire (Mitchell) et d’un loup-garou (George) qui emménagent ensemble à Bristol. Ils se rendent très vite compte que la maison est hantée par Annie qui vivait dans les lieux jusqu’à ce qu’un accident survienne. Au départ, les producteurs avaient prévu de tarabiscotter autour de trois colocataires ordinaires. Oui, mais voilà, c’est devenu bien plus fun. Le premier truc qui frappe dans cette série, c’est cette génèse de l’ordinaire, encore perceptible. On retient beaucoup le côté humain des personnages, et la moitié du temps, ils sont traités comme des êtres non fantastiques, genre vous et moi, sauf que voilà, il leur arrive de drôle de choses quand même. Même si on en est TRES loin, la série possède le point commun avec True Blood de faire du non-commun un ordinaire, du fantastique, un trait journalier de la société (même si les humains ne sont pas au courant, ici).

Du coup, les personnages principaux et secondaires sont assez riches (mention spéciale à Gilbert, ci-dessus!) , semblent avoir un passé de sujet scénaristique travaillé et sont cohérents avec… euh.. avec ce qu’on attend d’eux. Mitchell, au départ incarné par Guy Flanagan et remplacé aussitôt après le pilote par Aiden Turner, a toutes les qualités d’un vampire britannique. Repenti, a beaucoup bourlingué, humaniste mais quand même assoiffé, observateur, mystérieux, sexy  et transpirant le sexuel. Oh, et il a quelques conflits super importants à régler avec une communauté de vampires qui veut infecter l’humanité et puis aussi avec une ex un peu particulière. Tout, quoi.

George est le loup-garou incarné par Russel Tovey depuis le pilote comme je le disais. Bon, chez lui, c’est George qui a changé entre le pilote et la suite de la série. Au départ, il devait avoir été transformé au cours de son mariage au Mexique. Au final, non, mais bon, regardez la série pour savoir comment, hein, oh. Sa dualité n’est pas à nier, entre le sauvage loup-garou et le binoclard et très drôle George. D’ailleurs, à sa transformation, Annie dit « he’s gone »… Vous voyez, genre poétique, tout ça.

Et puis il y a Annie, incarnée par Andrea Riseborough dans le pilote, puis par Lenora Crichlow, qui cherche à faire son deuil d’un amour plus vraiment possible et de sa vie, aussi.
Quand on voit les changements de casting, on se dit que ce n’est pas un choix si innocent. Des physiques plus grrr, vous voyez et surtout moins de clichés. Même les personnages secondaires ont eu un sang neu (ah ah) : à voir le changement de Herrick… WII.

Bref. Le petit jeu de mot de la série Being Human et non Human Being résume assez bien la série. Trois êtres anormaux qui ne rêvent que de normalité.
Quant aux effets spéciaux, ils sont très bien trouvés. Si la majorité du temps, ils sont très réussis, l’apparence de George transformée est aussi cheap que louable. Les moyens sont pas toujours là? Faisons avec et éclatons nous, les gars!
Le format de la saison est classique pour une série anglais, six épisodes. D’une heure environ chacun, et on a donc le temps de prendre son pied et de ne pas être trop frustré, surtout quand on est pas habitué au format british. Ou qu’on ne s’y fera jamais parce qu’on est trop accro et qu’on en veut toujours plus, genre moi. Ici, l’histoire a le temps de s’installer et d’être exploitée, même si tout un tas de choses restent à explorer, c’est vrai.  Chaque personnage a son intrigue qu’il doit partager avec l’intrigue commune, vous suivez? Et ça demande du temps. Donc. CQFD. Plus la saison avance, plus on rentre dedans et plus la tension monte. Ca, c’est bien.

On voyage entre trois faits principaux. Le cliché, le fantastique anglais et l’humanisme des personnages. On ne sait pas trop si la mythologie fantastique abordée avec quelques clichés est voulue mais elle passe bien. Sûrement parce qu’elle est relayée avec le fantastique anglais, comment vous dire… Comme je l’avais dit sur ma critique de Dead Set, les anglais ont une façon bien particulière d’aborder le fantastique aujourd’hui, et Being Human n’est pas une exception à la règle. Le traitement des psychologies et l’humour sont bel et bien Made in UK. Et puis, il y a de l’originalité. Sûrement dans un soucis d’humaniser leurs personnages un peu plus, les scénaristes ont eu l’idée (bonne) de malmener les fondements de la mythologie fantastique, genre les vampires peuvent sortir en plein jour même si ils sont pas fana du soleil, etc. Correct. Fort correct. Oh, et une bonne B.O. Bon.
Et si le pilote avait un peu de mal à démarrer (cela dit, il a eu le mérite d’appeler à une saison entière), la série va en crescendo pour aboutir à un final plus que correct, voir jouissif et surtout qui appelle à une potentielle seconde saison.

Oh, et ça tombe bien, il y en aura une, de seconde saison. Et en plus, elle comptera non plus six mais huit épisodes. WOO HOO. Je remercie les fans de Grande-Bretagne qui se sont battus pour voir la série survivre à son pilote. Cette série dépote quand même pas mal. Ah, Being Human, entre drame et humour détonnant.

Pour info, le pilote avec les acteurs d’origine est disponible ici. Chut.

Best. Thing. On. Telly.

Dead set, dudes.

Diffusée à partir du 27 Octobre 2008 sur la chaîne E4, Dead Set compte cinq épisodes au compteur, dont un pilote de 40 minutes. Et c’est chouette. Comme je dis souvent… De quoi que ça cause exactement? Une couille dans le système, the end of the world est là, les gens deviennent tous gris, bizarres et ils mangent les autres. Ils sont des… zombies. TA TA TAAAAAAAAAAAA [musique de Tahiti Bob]. Oui, mais voilà, ceux qu’on suit, nous, depuis notre regard de spectateur effrayé, ce sont les participants et l’équipe de production de la plus célèbre des émissions de télé réalité de tous les temps : Big Brother. Eux sont encore vivants -…- et ils n’ont qu’une envie ou presque, s’en sortir. Ou bien réussir à rester enfermer.

Le zombie anglais est hype, ces derniers temps, isn’t it? Il dégage (ah ah)… non effectivement, ça va pas… Il participe d’une atmosphère tout à fait particulière. Chercherait-on à émigrer le regard du zombie US qui lasse au zombie UK qui fait vibrer? Boh, non. Simplement, la mythologie du zombie y ait toute transformée et attention, je vais vous sortir la plus belle platitude du mois : Shaun of the dead, 28 jours plus tard (oui oui, c’est discutable) ou Dead Set ne seraient pas ce qu’ils sont sans leur base géographique. AH AH. Non, mais c’est un peu vrai, quand même. Enfin, je crois, je suis pas encore bien réveillée, mais vous traduirez ce que je veux dire vous même, allez zou zou zou, un peu de boulot cérébral sur un sujet zombiesque. Double AH AH! L’humour anglais colle particulièrement bien au genre, trouve-je.

Bref, Dead Set m’a un peu fait cet effet-là. Frissons et angoisse, rire nerveux et rire complet (comme le riz ou les céréales : complet).
Si l’idée est un peu simple, que le scénario est moyennement étoffé, bon sang, ça n’est pas si grave! Partisane du « si tu sais ce que tu regardes, assume, bordel, bon sang, brosse à chiottes », je suis complètement rentrée dedans. Of course, certaines scènes auraient dû être complètement retravaillée, mais au final, on en ressort tout chamboulé. On a peur d’aller faire pipi tout seul entre deux épisodes et puis on rigole beaucoup aussi.

Comme ça a été dit sur la blogosphère française et anglosaxonne, Charlie Brooker, le créateur, connaît très bien la télévision contemporaine. Pour y travailler, juste par exemple. Juste (encore) pour dire que le zombie est encore une fois une parabole de la société, blah blah blah, une énième illustration de la modernité occidentale, zou zou zou… Oui oui, les participants pensent d’abord à un coup de la production quand l’hémoglobine arrive. L’avantage, avec Dead Set, c’est que l’illustration fait partie intégrante de l’histoire, Big Brother isn’t there anymore, et ça permet de rentrer dans le vif du sujet : le sursaut. Ah! Les voir être zigouillé jusqu’au dernier, vivant ou mort-vivant. Bam! Dans tes tripes! Bam! Dans ta carotide! Woo hoooooo!

Donc. Si on le décide, on peut avoir le souffle haletant, le pull au-dessus des yeux. Pour plus de réalité, la production a utilisé les véritables décors de Big Brother et sa véritable présentatrice vedette. Vous savez, pour ceux qui l’ont vu, la dingue qui frappe sa tête contre la porte où que derrière, il y a le monsieur qui fait ses besoins dans une poubelle devant une jolie demoiselle. Brrr.

Pour parler  cool, le montage est rapide et possède un rythme effrené qui ne vous laisse pas en paix, la caméra filme simplement, posée sur l’épaule d’un inconnu.

Et si vous entamez un marathon Dead Set, vous ne serez pas en paix avant d’avoir vu la fin.

Les plus? Calculez votre chance de survivre à des zombies!^^

Si j’ai choisi de limiter mon choix aux dix dernières années, c’est que remonter aux années 50/60 auraient relevé de l’Enfer. Je pense donc prosséder peu à peu, dizaine par dizaine. Et puis, c’est vrai que depuis la fin du XXème siècle, la série connaît un nouveau souffle, orchestré, tout à fait selon moi, par des génies comme Alan Ball.

Voici mon propre choix. Les 5 premiers, j’en suis tout à fait sûr, ce sont mes favoris. Ceux qui ont été pour moi les plus efficaces. La suite a été plus délicate et terriblement crève-coeur! Allez, zou!

Note : il devient très difficile de trouver ces génériques en qualité correctes. Je suis preneuse d’un lien meilleure

Note 2 : j’ai volontairement omi les génériques très courts comme ceux d’Heroes ou de Lost qui auront leur propre billet, un jour.

1. Six Feet Under.

   Comme c’est étonnant, venant de moi, n’est-ce pas?
   
   D’abord parce que la composition originale de Thomas Newman, grand compositeur de musique de films, est simplement superbe, qu’elle a trouvé les instruments et le rythme parfait pour parler de la série sans utiliser de mots.
   Ensuite, parce que ce générique traite simplement du sujet de la série. On sait où l’on va aller. Pas à Disneyland quoi. La noirceur et l’humour de la série y sont respectés, par simples mais superbes petites touches.
   Puis, je citerai la superbe lumière, la superbe photo, la superbe couleur de ce générique.
   Enfin… Juste parce que dès que je l’entends, c’est automatique, y compris maintenant, pour vérifier la qualité de la vidéo… Les poilounets des bras se hérissent, les frissons, la nostalgie… Cette série m’aura vraiment fait vibrer, mais son générique aussi.

2. True Blood.
   Ce choix peut surprendre car la série est terriblement jeune, venant à peine d’achever sa première saison. Oui, mais voilà, regardez-moi ce bijou :
   
   Nous retrouvons, comme de par hasard, Alan Ball et sa nouvelle production…
   Jace Everett dont c’est à peu près une des seules chansons que j’arrive à supporter mais qui pour le coup touche, fait mouche, et colle parfaitement avec la moiteur de la Nouvelle-Orléans, la sexualité qui se dégage du thème principal. The Title, babies? Jace Everett => I wanna do bad things with you.
   Vous ne trouvez pas que chez l’ancien staff de Six Feet Under, l’idée d’un générique raté, au damn de la série, est impardonnable?
   Tout semble parfaitement contrôlé, minitieusement travaillé.
   De l’effet de cutting, de VJing, on retient un souffle haletant, éblouis par la diversité des images. Le cliché et l’Histoire du sud des Etats-Unis est résumé en 1mn50 d’images choisies avec un grand soin.
   La couleur et le choix du noir et blanc se mélangent comme autant de représentations de la Nouvelle-Orléans. La photo est encore précieusement chouchoutée pour émouvoir par sa qualité, même lorsqu’elle se concentre sur une jambe féminine pleine de peau d’orange.
   Encore un générique qui fait mouche…mouche…New-Orleans…Bref.
3. The IT Crowd
   Oui, ça peut paraître être une drôle de transition!
   
   De deux séries héritées du génie d’Alan Ball, on passe à une petite et toute simple série britannique.
   Bah oui, et pourtant… C’est automatique, dès que le générique commence, j’ai la banane, les images me font mourir de rire et l’envie de danser me prend en entonnant le générique qui réussi très facilement à rester en tête.
   Ce petit air entêtant, on le doit à Neil Hannon, jeune compositeur Irlandais, encore un autre univers que celui des deux zozos du dessus. Pourtant, fort étonnant, ce jeune passionné de la langue française a eu l’occasion de chanter avec… Valérie Lemercier, Charlotte Gainsbourg et Vincent Delerm… Bah oui, je sais… Bon, bon, il a aussi travaillé sur Pocket Symphony de Air, hein!
   On peut donc s’étonner de le retrouver là.
   Efficace, reprenant parfaitement les thèmes et caractères de la série, un air entêtant, pas besoin de plus pour une série hilarante… Toujours selon moi, hein.
4. Dexter

   
   
   Bah oui, vous comprenez, si je le mettais en troisième, ça aurait paru un peu louche et vraiment, mais alors vraiment pas objectif. Mais l’oeuvre d’anciens du staff de Six Feet Under respecte la charte informelle qui, j’en suis sûre, les obligent à faire un générique du tonnerre.
   La musique, par Rolfe Kent, fait opposition au caractère noir de Dexter mais souligne, je ne sais comment, sa dualité. Bref, on pourrait faire tout un tas de blabla, là-dessus. Reste qu’elle semble coquine, swiguant sur le matin banal et répétitif d’un Dexter qui nous ouvre ses pensées. Du banal on devine le meurtre, l’envie de violence.
   Mais cette violence est toujours esthétisée et encore une fois la qualité de la photo est bluffante. N’est-il pas? Beau et presque violent, banal et sanguin, ce générique fait définitivement parti de mes favoris.
   Oh! Et notez l’attention portée aux sons! Le couteau contre l’assiette, l’orange qui se déchire… Miam.

5. Futurama
   

   A 1mn11.

   Ahhh! Futuramaaaaa! Quelle nostalgie, n’est-ce pas? L’envie de bouger mon popotin me prend déjà! S’il n’apparaît pas avant, c’est parce que, bon, la musique de ce générique n’est pas vraiment une création originale, bien que cela prête à discussion. Il fallait bien faire un choix. Reste que je suis amoureuse de ce travail de Christopher Tyng, donc, le compositeur du générique qui fait parti de mes tous préférés. Vous aurez tous reconnu la reprise du célèbre morceau Psyché Rock du français Pierre Henry (lui-même inspiré par Richard Berry et son Louie Louie, ne l’oublions pas!). Inoubliable! Ineffaçable! Tout de suite identifiable!

   Son autre coup de criquette (c’était chouette, quoi) c’était les détails qui changeaient à chaque générique, comme le générique d’une certaine famille toute jaune. Notamment les vieux épisodes de cartoons, comme à l’époque.

   PS : Je m’excuse de devoir poster un épisode mais si quelqu’un trouve le générique uniquement, je suis preneuse.

6. Bob l’éponge

   
   

   Et alors?! J’assume!
   Composée et écrite par Stephen Hillenburg, également producteur de la série, la musique vous reste en tête, quelle que soit la langue. Bougez du popotin, tapez du poing et grommelez comme un vieux loup de mer, mes corniauds!
   La qualité esthétique n’est pas forcément là, mais après tout, elle est loin d’être (semble-t-il) une des priorités du staff. Son entêtement efficace place le générique à la sixième position de mon classement.

7. Chuck

   Encore une toute jeune série qui a compris l’importance du générique. Oui, bon, la phrase est bateau, mais je commence à fatiguer, que voulez-vous!!!
   Création originale de Cake, Short Skirt/Long Jacket.  Ça parle de soi-même… Les premières notes et la bonne idée de ne glisser aucune parole sont très efficaces, les sons ajoutés aidant. L’ajout à la deuxième saison de nouveaux crédits, je dois l’avouer, m’a légèrement plus émoustillée que la musique… Mais tout de même. Et puis… Vous voulez un secret? J’aurais préféré la toute première musique qui apparaît lors du pilote comme générique…
   Teddybears STHLM + Mad Cobra – Cobrastyle
   
   Miam.

   Reste que l’animation est très très bonne, efficace, juste assez courte pour que l’on ne se lasse pas.
   Chuck doit donc principalement sa place au classement à l’efficacité de l’animation, simple mais au poil, et puis aussi… Enfin bref!
   
   

8. How I Met Your Mother

   Ce choix peut également surprendre. Si j’ai choisi de le placer dans mon classement, c’est pour sa capacité à.. euh… comment dire… Rassembler les foules. Testez : diffusez le générique dans une salle bondée et tout le monde l’entonnera joyeusement. J’ai testé pour vous! ^^
   Simple, et composé simplement par The Solids et le titre, me demanderez-vous peut-être Hey Beautiful, est facile à retenir et fait mouche tout de suite dans nos cerveaux simples d’esprit. Bon, lorsqu’on écoute la chanson entière… c’est beaucoup moins classe, ahem. Mais passons!
   Le kodak, la boisson, les empoignades… Plutôt facile de se projetter et autre point, le générique est encore une fois très efficace pour dominer le sujet dès les premières secondes. Pas de doute, on est dans une sitcom…

9. The Office
   
   DESOLEE TROUVE PAS LE GENERIQUE
   

   Bon, pour The Office, c’est à peu près le même topo, donc je ne vais pas me répéter. Encore un générique étrangement difficile à trouver sur le net. Si vous avez un lien, je suis preneuse!
   Oh, et l’auteur, c’est Jay Ferguson, que vous avez sûrement connu très chevelu et en combinaison… Hum. Je vous laisse chercher le total look!

   

10. Californication

    
    Petit détail : c’est le générique de la saison 2, celui-ci, mais que voulez-vous, tout devient plus dur à déchiner

    Et voici mon number 10!
    S’il n’apparaît pas avant, c’est parce que la musique a fini par me lasser et je crois que c’est exactement ce qu’il ne faut pas ressentir avec un générique!
    Cela dit, encore une fois, l’esthétique est respectable, même si l’idée est plutôt simple. Non vraiment, un bon générique.

    Bref s’il me fallait regretter un générique que je n’ai pas pu placer dans le classement, ça serait bien celui de Weeds. Pourquoi je ne l’ai pas mis alors? Parce qu’il était trop compliqué de choisir une chanson! Son génie était bien celui des deux premières saisons. Choisissant d’abord l’original, puis se balladant d’artiste en artiste. Enorme.